Installation view, Standing Trees, Solo Exhibition, Kumho Museum of Art, 2002

 

 

 

 

 

 

바람의 바람, 나무의 나무, 맑고 깊은 소리


임현락의 ‘나무들 서다’에 대하여

 

 

박신의(미술평론가, 경희대 교수)

 

임현락의 그림은 바람을 담아낸다. 종이 위로 입김을 불어넣듯 한줄기 바람으로 그림을 그려낸다는 것이다. 그에게 그림은 호흡의 흐름을 끌어내고 다스리며, 하나가 되는 결과이다. 호흡의 이치가 그러하듯 임현락의 손끝에 잡힌 붓은 강제함이 없이 자연스럽게 놔두는 방식으로 움직일 뿐이다. 그래서 오는 정신적 긴장과 그 긴장을 읽어내는 몸의 반응이 어떤 평온함의 순간에 멈춤으로써 그는 호흡을 완성한다. 호흡은 길게, 때로는 짧게 진행되면서 작은 바람, 낮은 바람, 고요한 바람이 되어 그림 위로 머문다. 무엇을 그린다는 사실이 갖는 완결성보다는, 그려가는 중도의 과정과 그 미완의 의미에 문을 여는 행동이 바람처럼 남겨져 있을 따름이다. 그래서 그림 그리는 일은 바람의 기운과 그 흐름의 이치 속에서 존립하고 시작하는 것이다. 결코 멈추지 않는 바람처럼, 그 운동의 자유자재함을 체화하는 과정에서 그림의 의미가 있다는 것이다.

 

‘나무들 서다’라는 명제는, 그런 점에서 나무의 형상을 그리기보다는 나무의 호흡을 그린다는 표현을 할 수 있을 것 같다. 소나무의 ‘솟아남’은 허공을 가르고, 하늘을 향해 뻗어가는 한번의 깊고도 유연한 호흡의 결과일 것이니 말이다. 아래에서 위로, 그러나 단순히 일직선적인 방향이 아니라 공간에 몸을 던지는 방식으로 움직임의 리듬이 이루어진다. 나무의 호흡은 길게 늘어뜨려진 실크 천위로 던져지면서 자신의 몸을 드러낸다. 그리고 전통회화의 두루마리 형식으로 천정에서 바닥까지 천을 드리워 하늘과 땅의 거리를 말한다. 나무들의 몸은, 혹은 그 그림자들은 수 십장의 반투명 실크 천에 그려져 전시장을 가로지르면서 설치될 것이다. 그리고 관람객은 자신의 동선에 따라 미세한 바람을 만들어 나무들을 움직이게 할 것이다. 관람객은 숲처럼 내려뜨려진 반투명 나무들을 헤치고 나가 나무들의 반응을 직접 겪어낼 수도 있다. 숲을 지나 걸어온 길을 다시 돌아보면 나무들은 서로의 몸을 비쳐내고 감추면서 겹겹의 공간을 깊이로 만들어내고 있음을 보게된다. 그 시(詩)적인 깊이를 느끼는 순간, 혹시 노래가 아닐까 생각하게 된다.

 

다른 한편의 전시실에는 자연광이 비치는 곳에서 나무들이 떨어지도록 배치되어있다. 지하에서 지상으로 향하는 작은 창으로 빛이스며들면서 반투명의 천에 얹혀진 나무는 빛을 담아내다가 뱉어내고, 다시 품에 안다가는 쏟아내는 운동을 할 것이다. 빛 속에서 나무는 생명을 노래하고, 거듭남의 이치를 보여줄 것이다. 나무는 맑고 깊은 소리로 빛의 청명함을 감싸고, 어둠의 내면을 다스리며 다시 빛으로, 또다시 어둠으로 순환의 고리를 만들어 갈 것이다. 빛 속에서 나무는 빛의 시간적 변화를 그려내고, 공간적 체험을 만들어낸다. 시간과 공간은 변화 속에서 살아 숨쉬게 되고, 변화 속에서 역동성을 부여한다. 나무는 그 변화의 한 가운데에서 삶의 이치를, 단절과 연속성으로 이어낸다. 나무는 몸이고 마음이며, 실체이고 허상이다. 나무는 꽉 찬 자리이고 빈 자리이며, 현실이고 꿈이다.

 

오늘날 회화라는 것의 의미를 어떻게 찾아낼 것인가를 묻는다. 그림 그린다는 일이 기능적인 차원에 머물지 않고, 급변하는 문화 상황 속에서 장식적인 역할밖에는 할 수 없는 무력한 상황에 굴복하지 않으며, 오히려 세상과 사물을 새롭게 바라보는 실천을 행함으로써 그림의 의미를 만들어가는 ‘행동’이 필요한 시기라는 것이다. 그 행동이란 거울과도 같아 자신을 비판적으로 비춰내는 성찰의 과정을 동반하는 것이다. 그렇게 그림은 이전의 그림의 틀을 버릴 수 있고, 그림의 의미를 삶과 의식의 공감대 속에서 보다 근본적이고도 가치론적인 것으로 살찌울 수 있다. 임현락의 그림 그리는 일이 또 그렇게 해서 ‘살아감’의 아름다움을 드러내고, ‘바라봄’의 감동을 허락하며, ‘명료함’을 이미지와 소리로 이어내게 된다. 살아가는 일과 바람을 느끼는 일, 나무를 바라보는 일과 호흡의 리듬에 귀 기울이는 일, 붓질을 따르는 일과 멈추는 일, 선(線)을 그리는 일과 지우는 일, 그 많은 모순과 역설의 조건을 관통하는 일, 그것이 삶이고 예술이라는 진실로 귀결되는 것임을, 그는 말한다. 그리고 노래한다.

 

제6회 개인전 서문, 금호미술관, 2002년

 

 

 

Winds of Winds, Trees of Trees, Clear Deep Sound

About ‘Standing Trees’ of Hyun-Lak Lim

 

Park, Shin-Eui Art Critic, Professor at Kyung Hee University

 

The painting of Hyun-Lak Lim contains the Winds. This means he draws through a streak of wind as if breathing onto the surface of the paper. For him, paintings are done by pulling and manipulating the wind, and finally reaching oneness with it. As breath does, the brush at the tip of Hyun-Lak Lim’s hand moves very freely and naturally without being forced. As a result, a spiritual tension occurs and the body’s reaction to it, together, cease at a moment of peace upon completion of his breath. Breath stays on the paintings in forms of many small breezes, low breezes, and silent breezes, continuing to respire sometimes in a long deep breath, and sometimes in a short light breath.

Rather than pursuing to complete to draw a certain object, what’s left in his works is the action opening the door to the meaning of the process and the incompletion of his paintings like the winds. Therefore, the activity of his painting roots and exists within the vitality of the winds and the principles of its flow. Like never ceasing winds, the meaning of his paintings can be found in the process of experience of the free flow movement.

 

The proposition of the painting, ‘Standing Trees’ is the expression of the trees’ breath rather than the solid shape of the tree. It’s because the depiction of the rise of pine tree results from one deep smooth breath that breaks the air, and reach to the sky. Trees are described within the painting from down to up, not as a simple straight line, but as if throwing body to the rhythm of the air. The breath of the tree is thrown to the surface to let down the long silk fabric and expose its body. Hung down to the floor from the ceiling according to traditional roll paper style, this fabric offers a visual description, the distance between earth and sky. The body or the shadow of trees are drawn on the dozens of semi-transparent silk fabrics that will be installed across the exhibition hall. Also, the viewers will create minute winds when they move around the hall, causing the trees to shiver. Viewers can make their way through semi-transparent trees on the silk fabric, and experience for themselves how these trees react. When they look back to what they have passed through, viewers can recognize trees holding each other up through the light and hiding each other, creating a many-layered sense of space. When one recognizes this poetic moment, one gets confused as to whether or not it is really a depiction of music rather than visual artistic expression.

 

 

In the other exhibition hall, a tree is installed with natural light falling to the ground.  The lighting will permeate through a small window opening above ground from underground. This will cause the art patron to see the tree put on the semi-transparent fabric to inhale and exhale, and again to embrace and outwardly flow. The tree sings of life in the midst of lights, and will show the principle of revival. The tree cuddles up to the fairness of the light with its clear and inmost sound, and creates the circuit of light and darkness again and again, controlling the inside of the darkness. In the midst of light, the tree paints the time change of lights, and realizes a spatial experience. Time and Space get to live and breathe in the change, and the changes endow dynamism. The Tree, in the middle of change, connects the principle of life with both discontinuity and continuity. The Tree is both body and mind; substance and illusion, all at the same time. The Tree is a seat both empty and full, of reality and dreams.

 

In pursuit of how we can find the meaning of painting in fine arts, rather than being tied up within the technical artisan level, without surrendering to the helpless decorative role in a radically changing cultural condition is our ability to realize and suggest a new perspective towards our life and world. It is time to start a new ‘action’ to renew the meaning of painting. This action accompanies the process of critical self-reflection like mirror. In this way, the painting can be relieved of the traditional convention of painting, and the meaning of painting is made more profoundly and valuably richer by sharing in both life and thoughts. Doing so, Hyun-Lak Lim’s painting gets to reveal the beauty of ‘living’, allows deep inspiration from the ‘viewing’, and connects the ‘clearness’ through images and sounds. The living and feeling of winds, viewing trees and listening to breath, following and stopping the paint-brush, drawing and erasing lines... Penetrating these many conditions of discrepancy and paradox, in and of itself, is art and life, and it is concluded to be the fundamental truth of all life, as said by the artist. And, he sings.

 

 

 

 

 

Standing Trees, Installation, flexible size, Kumho Museum of Art, 2002

Installation view, Standing Trees, Ink on paper Hanji, Kumho Museum of Art, 2002

 

Standing Trees, Kumho Museum of Art, 2002 

Installation view, Standing Trees, Ink on paper Hanji, Kumho Museum of Art, 2002

Installation view, Standing Trees, Ink on paper Hanji, Kumho Museum of Art, 2002

Installation view, Standing Trees, Ink on paper Hanji, Kumho Museum of Art, 2002

Standing Trees / Ink on paper Hanji, Glass, Wood / 34x195x12cm / 2002

Standing Trees, Ink on paper Hanji, Kumho Museum of Art, Seoul, 2002 / Yuan Xiao Cen Art museum, Kunming, 2011

 

Standing Trees, Ink on Hanji, 30x122cm, 2002